• Jairo Bonilla - EPK

PORTADA: JAIRO BONILLA Y MUSIC MAKER®

Desde Alemania, entrevista para la casa matriz de Samplitude®.




Entrevista original: http://www.magix-audio.com/us/blog/

Fotografía: Andrea López


COMPOSICIÓN


1- La música para comerciales debe ofrecer un sentimiento y atmósfera particulares, además de representar cierto estilo de vida, siendo en cierto modo, un poco manipulativa. ¿Cómo aborda la composición de música publicitaria a diferencia de otra música?


JB: Primero que nada está el argumento técnico: en publicidad, el propósito principal de la pieza es enfocarse en una audiencia específica. Esto significa conocer al cliente, al consumidor, las claves de la marca y los objetivos de comunicación. Además de eso, para mí también significa lograr la mejor calidad de sonido posible y por supuesto, musical. ¿Por qué? Porque es probable que mi música suene más veces por hora en la radio que cualquier canción de un artista famoso, y por eso considero que uno tiene la responsabilidad inmensa de alimentar el cerebro de la gente con contenido de calidad. Mi premisa es hacer buena música por encima de todo, clara y capaz de sostenerse por sí misma. Además, hay que tener presente que la industria hoy en día tiene estándares muy altos en términos del contenido y especialmente, de la producción de audio.


De otra parte, también está el componente emocional de la música. Siempre uso mi intuición como compositor para buscar y generar un estado emocional, ese es mi primer objetivo como creativo sonoro. Creo que generar una emoción es el secreto sin importar qué tipo de música estés creando; la música lo llevará donde yo decida, esa es la elección del compositor, no la del receptor, y eso es algo divertido de lograr en el proceso.


2- ¿Cuánto control creativo tiene cuando desarrolla jingles y música publicitaria y qué lineamientos recibe de sus clientes para componerla?


JB: Bueno, la diferencia entre un artista y un publicista es que el artista hace lo que quiere, mientras que el publicista hace el pedido del cliente. En ese sentido el trabajo impone límites bien marcados como las referencias de otras músicas o sonidos, sumados al formato o la duración de la pieza. En realidad es bastante restrictivo, pero siempre tengo el control al momento de conceptualizar y proponer musicalmente.


3- ¿Encuentra usted más fácil terminar una composición que genera un sentimiento alegre y ligero o uno negativo y triste?


JB: Cualquiera que sea la emoción no es tan complicado. Uno simplemente debe sintonizarse en el tono de la marca y lo que esta desea comunicar. Aquí hablamos de la técnica composicional (musical) al servicio de la estrategia de mercadeo.


4- ¿Qué tan cerca trabaja usted con el director creativo? ¿Conceptualizan el proyecto juntos desde el inicio o usted recibe una copia de lo que se requiere y luego desarrolla la música que le piden?


JB: Es necesario trabajar de manera cercana con el director creativo, siempre escuchando claramente lo que él desea porque esto facilita mi trabajo.


Sin embargo, el reto es mayor cuando toda la responsabilidad de proponer, conceptualizar y crear la identidad sonora de una marca recae totalmente sobre mis hombros. Esto último sucede más a menudo, suelen confiar en mí y darme bastante libertad.


Jairo Bonilla in the studio with Magix Music Maker®

5- ¿Usted compone cuando recibe un contrato o tiene música hecha desde antes y la guarda para acoplarla posteriormente a una empresa o producto?


JB: Sucede más lo primero, pero ocasionalmente algunas de las piezas de mi portafolio personal también pueden funcionar. Obviamente, esta segunda opción sólo aplica para música instrumental porque cuando se trata de una canción, el texto y la línea melódica han sido creados para una marca específica y no le cabe a ninguna otra.


6- Durante su trabajo, me lo imagino en conflicto a la hora de componer música que no es de su gusto personal o que ni siquiera escucha. ¿Dónde encuentra inspiración y cómo supera ese bloqueo o falta de inspiración que además debe surgir en medio de los estrictos tiempos de entrega?


JB: Ok, debo decir que en este negocio siempre se trabaja contra el tiempo, es bastante estresante. Además, si uno está en esta industria se debe tener una mente y oídos bastante amplios. Idealmente uno debería escuchar lo que está moviendo la radio en la listas principales, quiero decir, todas las referencias actuales como sea posible.


Ahora bien, hablando de publicidad, el punto de inspiración viene directamente de la marca y su brief. Algunas veces debo componer en estilos musicales que usualmente no conozco o no me gustan; aquí es cuando entra el entrenamiento como compositor porque debo ser capaz de producir música de casi cualquier género y formato; es cuando el análisis del estilo musical surge como la herramienta máxima. Voy directo a la fuente sonora o escrita, realizo sesiones de audición crítica y estructural, entendiendo cómo está compuesto su “ADN” y cuáles son sus características para poder producirlas después.


Respecto al momento de la falta de inspiración creativa, lo que funciona para mí es abandonar el trabajo y hacer algo totalmente diferente, incluso al ir en busca de la música. Si la tarea a atender es escribir clásico y me saturo de lo que estoy haciendo, cambio mi mente escuchando electrónica, folclórica o rock. Si llevo muchas horas sentado, me levanto y salgo a correr por un par de horas. Si el día es aturdidor en sonidos, simplemente busco un instante en silencio. Eso es todo, siempre lo opuesto, pero siempre dinámico, siempre en actividad.

7- ¿Tiene alguna pieza favorita en el campo de la música publicitaria? ¿Cuál?


JB: ¡Tengo muchas! Hablando de marcas globales con las que crecí, está por ejemplo la adaptación de la canción Billie Jean de Michael Jackson para la evolución de la campaña “Pepsi Generation” (1984), La canción de Robin Beck “First Time” para Coca Cola (1988).


Algunas más actuales como el increíble diseño sonoro del comercial “The Cog” creado para la líne Accord de Honda (2003), la pieza “Half the World Away” de la campaña “Man in the moon” para John Lewis (2015) o la Música para la campaña de Sony “Soul-Shaking Clarity”, “Finale”, de Madeon (2013).


En fin, se puede encontrar una gran cantidad de buena música en la industria, pero cabe anotar que la gran mayoría se trata de adaptaciones de piezas ya creadas por artistas. Esa es la parte que no me gusta mucho, en lo personal pienso que siempre debería crearse música desde cero. TIene más mérito.


8- ¿Alguna vez ha pensado “hubiera querido escribir eso” respecto a algún comercial en especial?


JB: Definitivamente. Pero primero que nada, déjeme decirle que soy un gran admirador de los temas musicales para televisión y cine. De hecho, esto fue lo que me introdujo al trabajo de composición para audiovisuales. Aquí una pequeña lista de ambos, T.V. y cine y comerciales que me encantan:


El tema original de la serie E.R. (James Newton Howard - 1994), El tema de Battlestar Gallactica (Stu Phillips - 1978). Superman (1978), Star Wars (1977) and Shindler’s List (1993) entre tantas de John Williams. En cuanto a publicidad, la canción de Cadbury “Eyebrows” 2009) o el score de “Kung fu Pepsi Crush” (2002). En fin, ¡hay demasiado material!


Video demo para Magix® Music Maker®



MUSIC MAKER®

9- ¿Por qué escogió Music Maker® como herramienta para sus composiciones?


JB: Yo estaba buscando una herramienta MIDI de fácil acceso que posibilitara una rápida configuración pero a la vez poderosa y versátil. Tener todo eso al comienzo de la década del 2000 seguía siendo costoso y desgastante; para entonces todavía trabajaba con algunos módulos de hardware conectados entre sí, en una auténtica cadena MIDI "old school".

Algunos años después conocí Music Maker® y finalmente encontré todo eso y mucho más a un precio accesible. No lo pensé y lo probé de inmediato. Desde entonces se volvió mi principal estación de trabajo.



10- Usted se ha mostrado como un gran programador y editor MIDI y ha mencionado que lo ha trabajado prácticamente desde niño. ¿Qué le fascina tanto del MIDI? ¿Ve usted esto como una ventaja sobre el uso de la notación musical tradicional?


JB: Mi generación fue testigo del nacimiento del protocolo MIDI en el 84. No puedo describirle lo emocionante que fue eso para mí, me refiero a ver instrumentos musicales electrónicos tocando por sí solos. Al comienzo trabajaba con módulos de hardware como sintetizadores, secuenciadores y controladores de todo tipo; como usted sabe, en aquellos días todo era hecho (programado) paso a paso, nota por nota, con sus propios dedos.


Entonces vino la migración de hardware a software llevando todo al computador. Hoy en día, es mi instrumento principal y haber sido parte de esa evolución fue un verdadero privilegio.

Hablando del MIDI (1), su notación gráfica (interfaz visual) es como una partitura; los eventos MIDI traducidos en celdas, puntos, líneas, números e instrumentos virtuales, son fascinantes y también constituyen una ventaja para el compositor de hoy. Uno es el director de orquesta teniendo los sonidos en la punta de los dedos. Pero, refiriéndome a los instrumentos acústicos y a ciertos modelos físicos en algunos casos específicos, jamás se podrá reemplazar la ejecución humana.



"Para mí programar es humanizar el silicio"



11- ¿Cómo crea usted sus sonidos y timbres? ¿Usa muestras de fábrica o instrumentos virtuales? ¿Los graba en vivo con un teclado MIDI? ¿Qué plug-ins le gusta usar cuando compone?


JB: Soy bastante recursivo y suelo trabajar con lo que tenga a mano. Hablando de modelos físicos, primero verifico lo que tengo disponible en mi librería personal (banco de sonidos) para usarlos o modificarlos. Si no encuentro lo que necesito, creo mis propias muestras.

El teclado MIDI es mi interfaz musical de interpretación, desde luego una herramienta muy útil. Verá, una vez escribo la música el trabajo duro consiste en humanizar los instrumentos virtuales, aquí es cuando el detalle que uno coloca desde el mouse, las secuencias binarias y la automatización general juegan el papel principal, pero también el entrenamiento básico que cualquier músico debe tener como intérprete. Para mí, programar o "secuenciar" es humanizar el silicio.


Respecto a los plug-ins, uso todos los instrumentos de MAGIX® y con alguna frecuencia el Symphonic Instrument y el Ethno Instrument de MOTU® juntos a algunos sets de metales y cuerda frotada de East West Quantum Leap®. Son estupendos.


12- ¿Cuál de los instrumentos virtuales de Music Maker suele usar más a menudo y por qué?


JB: Sin duda los teclados porque representan mi herramienta de composición número uno, son el punto de partida. Lo que sigue es simplemente desarrollar y darle cuerpo la idea original con la paleta sonora, escogiendo la densidad y los timbres apropiados (orquestación/instrumentación). Adicionalmente, cada año una nueva versión de Music Maker® viene con nuevos sonidos (Instrumentos) y plantillas (Sound Pools) para explorar. Justo ahora estoy probando los nuevos coros y flautas étnicas de las versión 2017.

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MIDI: Musical Instrument Digital Interface (1)


ASPECTOS GENERALES

13- ¿Cómo llegó a escribir música para publicidad?

Tenía un amigo publicista y me pidió que le produjera un par de jingles y ahí comenzó todo. Al poco tiempo creé mi propia productora (www.SuimagenSonora.com) y comencé a desarrollar un lenguaje y técnica personal para comprender la dinámica de este tipo de música, escribir bajo mis propios parámetros y poder ser propositivo. A raíz de este trabajo de investigación nació el primer Manual de Identidad Sonora Corporativa® (MISC), basado en los lineamientos que plantea el diseño gráfico referidos a la arquitectura de una marca y traduciéndolos con su propia terminología al universo sonoro y musical, estableciendo pautas concretas de conceptualización y uso de la imagen sonora.


Este camino me llevó en profundidad a la publicidad. Justo ahora curso la carrera profesional en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios en Argentina donde aspiro a graduarme como creativo redactor.


14- ¿Cómo comenzó en la música? ¿Cuál fue su mayor influencia y cuál su mayor soporte?

JB: Me recuerdo de muy chico escuchando los mambos de Pérez Prado en aquél equipo de sonido cuadrafónico de mi padre. Él me dio las primeras lecciones de órgano electrónico en un Wurlitzer® que había comprado; era un melómano y entusiasta del sonido. Yo tenía entonces 4 o 5 años, eran los 70’s y ese fue mi primer contacto directo con un instrumento electrónico, fue amor a primera vista. ¡Quién pensaría que me dedicaría a eso por el resto de mi vida!


Más adelante, mi mayor influencia fue sin duda el universo sonoro del cine y su música. Es por eso que muchas de mis producciones muestran esa influencia y sonido característico.

En cuanto a mi mayor soporte, debo decir que fue mi propia confianza y fe en mí mismo, mi arte, mi música, mis ideas y mis capacidades, porque al inicio, mis padres se opusieron a que fuera músico. Fue un desgaste y un conflicto por varios años, pero luego de conocer lo que hago, hoy en día son mis fans número uno.


Publicación de Julio de 2016.


(1) MIDI: "Musical Instrument Digital Interface" o "Interfaz Digital para Instrumentos Musicales". Consiste de un protocolo binario junto al desarrollo de sistemas de hardware que posibilita la comunicación entre los instrumentos musicales electrónicos sin importar su fabricante. Es un estándar que pronto migró al ordenador (software).

Gracias a la programación MIDI puede llegar a recrearse una interpretación musical totalmente automatizada y ejecutada por computadora o acoplarse de manera híbrida, usando módulos externos sincronizados con ella que incluyen sistemas visuales para una ejecución en directo.

El MIDI, su lenguaje digital e interfaces físicas se ha mantenido prácticamente intacto desde sus inicios a mediados de los años ochenta.



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